Mary Brandt: Los Límites de la Pintura

La  pintura es para mí una necesidad vital.
Yo digo, hago respiro y sueño
A través de la pintura.
Con ella me voy del mundo y regreso.
Mary Brandt, 1985

El color y el espacio se transforman en sensibilidad, musicalidad  en cada uno de los cuadros de Mary Brandt (1917-1985),  la continua  trasgresión de la bidimensionalidad, y de los límites  del lienzo en su obra,   dan una idea del anhelo de libertad estética que la movía, creando una abstracción  que convierte los contraste cromáticos y la mancha pictórica en una abstracción que crea su propia realidad poetizándola  al  enfrentar al otro a su sombra. Caraqueña que estudio en la Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas, en la esquina El Cuño entre los años de 1938-1943, a la que entrara a  estudiar por  un azar, y  no por influencia de su padre, el pintor Federico Brandt (1878-1932). En los cincuenta llegó a lo que considera su vocación como pintora la abstracción expresionista,  en  Roma año 1949 pudo ver una exposición de Malevich (1878-1935), e inicia su acercamiento a la tendencia que representa este pintor. El abstraccionismo de la artista se alejara mucho de la rigidez geométrica y la homogeneidad del plano pictórico, al  crear tensiones entre el lienzo y el óleo al  usar  áreas de este  para intégrarlo a sus composiciones,  para generar profundidad visual, su cromática no es dominada por la racionalidad sino por la emoción y la intuición. Es la época del gestualismo  y de pinceladas cargadas como las de Kooning (1904-1977),  de quien aprecia  su  expresionismo. Estas peculiaridades de la creadora y el evitar  integrarse a movimientos plásticos es uno de sus rasgos, esto lo  destaca Guillermo Meneses en su exposición individual en el Museo de Bellas Artes en 1963:

“Si quisiéramos catalogar la obra actual de Mary Brandt.., nos encontraríamos con la definición perfectamente inútil, de una fórmula inventada”.

Era una  amante de la música, heredo de su padre ese gusto especial por Scriabin y Satie, entre otros, de ahí la presencia de la musicalidad  en su pincelada y  la forma como  nacen las capas cromáticas que  transmiten profundidad  a los diversos planos de cada pieza.  Hace uso del color para  expresar  estados emocionales, evade  la figuración en la pintura porqué  para ella había llegado  a sus  límites,  debido a que la fotografía le imponía un reto a las artes plástico por su impactante realismo.

En sus  cuadros a lo largo de tiempo, se puede apreciar esa búsqueda por trasgredir lo bidimensional a través de vías tan diversas como tela sobre tela, bastidores dentro de bastidores, el uso del pliegue de telas adheridas al lienzo,  para  hacer brotar nuevas texturas  y  volúmenes  del plano, y asumir la tridimensionalidad desde la pintura. 

Adhirió a la superficie pictórica de sus cuadros clavos, zapatos, copas,  cuerdas para introducir lo cotidiano y el universo objetual que nos rodea entre atmósferas abstractas,  pero estos objetos no son tratados como una realidad en si,  sino  busca destacar la dimensión estética y generar un discurso que  podría estar  cercano  a Marcel Duchamp (1887- 1968), pero en lugar de esto son elementos que agrega para   integrarlos a la  pintura  y  complementarla, al transmitirle nuevas significaciones. Son estos elementos introducidos  por  su anhelo de libertad.  Así transforma cuerdas en  vacío, en líneas que  generan  tensiones con el espacio al crear  nuevos planos de profundidad compositiva, además de los  existentes en el color pleno de gestos y expresividad. Introduce su propuesta en  el espacio en que existe el espectador, para que  perciba  esa continuidad  incorpórea que es  el vacio. Son obras que se abren al otro, para provocar su imaginación y  la reflexión. Cómo ocurre en el cuadro La Huella del Taller, 1984  refleja de manera cercana la forma de ser y crear de la artista, entre capas  pictóricas amarillas en sutiles formas  geométricas  que se desintegran  entre la gestualidad de las pinceladas  que crean atmósferas  asimiladas a la vida y a la alegría. El amarillo es un color asociado a lo solar y a sus resonancias simbólicas como la iluminación mística y el conocimiento, no en vano la vela y su luz eran un símbolo de la ilustración. Sobre este fondo líneas horizontales  azules, sirven de apoyo visual para  crear direcionales simbólicas que  señalan hacia  abajo a través de la suela de un mocasín en la parte inferior de la pieza, y en la superior  hay otra suela, que se orienta hacia  arriba,  es la  huella física del paso de  la creadora  en su taller  expresa lo que significa para ella la pintura: Gozo y angustia, lo masculino y lo femenino.., la unión de los contrario que genera la armonía. Pero nos habla también del  riesgo creativo, en los manchones de colores que  muestran las suelas, son las manchas de óleo que cubrían el piso de su taller,  expresan estos elementos una obra de arte que asume la espontaneidad y  que nos transmite  la sensación de liberación  en que se sumerge la artista en la acción  creativa. Y también nos acerca a reconstruir en la imaginación los movimientos de la pintora, o su inconsciente danza creadora.

“Mary Brandt confiesa que para ella la pintura es una lucha. ¿Con quién con su interioridad con la tela? «Es una lucha con la tela, una lucha que me angustia y me divierte mucho.”(1)

En algunas de sus  pinturas   introduce  bases de copas, y elementos de vidrio  que generan un juego con el círculo y la circunferencia, unión del principio y el fin,   como   impronta  usa su huella  como indicio de su presencia física sobre la superficie pictórica y  establece así  un vínculo entre el espectador y la obra.  Se está ante una  la distinción filosófica entre el ser y la apariencia, posiblemente  nos desea recordar la artista que vivimos rodeados de formas en las que  esencias geometrías     subyacen tras la inmediatez,  nos recuerda el planteamiento de Cézzane (1939-1906) y del cubismo. Y  así como las gotas de lluvias al caer forman líneas, las sombras de los clavos presentes en  sus cuadros parecieran metáforas de gotas de una tormenta,   y al proceso de  transformación de la materia que genera el agua. Hace referencia  de esta manera al carácter cambiante de  la realidad.

En el abstraccionismo que caracteriza su obra    la geometría se desvanece entre  capas de color, y  en cada  pintura  las formas básicas se ocultan, o se da un proceso inverso donde la mancha de color crea espacios con asociaciones geométricas,  ese es uno de los sentidos de su propuesta: el juego con el espacio. Para hacer al otro  consciente de su existencia, o quizás este cuestionando nuestra concepción de la realidad y  la existencia de diversos niveles de percepción  y que nuestras capacidades  sensoriales no perciben, nos desea así llevar la artista más allá de la sensorialidad.

 Es este un universo de presencias, de  ensoñaciones que pinta cuando  suelta la mano libremente sobre el lienzo, cuando su acción creativa no es regida por la lógica.  También dibuja de manera espontáneo, con trazos  rápidos en tinta china dominados  por el automaticismo,  creando un juego con el espacio tal como se materializa en su obra pictórica.  Este es uno de los elementos que unen lo aparentemente contradictorio, la abstracción expresionista de sus cuadros y la figuración de sus dibujos.

 Gustaba de la pintura de Rothko (1903-1970) por su degradación  cromática y los climas de  misticismo que  emanaba su estética. A diferencia de este pintor  las degradaciones  cromáticas de la artista son expresivas, gestuales, matéricas y  hacen sentir  el pulso de la artista,  su huella creativa, era un efecto buscado desde sus obras tempranas caracterizadas por el expresionismo en los cincuenta, hasta en sus últimas piezas realizadas  en 1985.

Si bien se establecen contrastes cromáticos   fuertes, y gestos violentos en la pincelada, la solución plástica de cada cuadro  materializa climas de armonía. En su propuesta se observa admiración hacia  la obra de Fontana (1899-1968) en esa lucha por trasgredir  el  plano,   a través de los cortes en la superficie de la tela,  e introducir el vacío en la pintura, así como el modernismo lo  llevo  al volumen escultórico tanto en Archipenko (1887-1964) como en Moore (1898-1986).

Los cuadros de Mary Brandt no sólo rasgan el lienzo, sino crean el vacío en formas geométricas que cortan la superficie pictórica, y a su vez  la pliega para formar una antítesis de   la realidad sensorial. Se  generan de esta manera   relaciones dinámicas entre el vacío y la materia. Evita los planos homogéneos de color  al introducir  volúmenes reales a través  de la misma tela, o al adherirlas al plano   para transformar el cuadro en pieles sobre pieles. Esto nos lleva a una de las nociones centrales de su visión estética: la experimentación y llevarla al extremo en su lenguaje plástico.

Es esta una propuesta densa, arriesgada que no desea estar en sintonía con las tendencias de moda, sino que se convierte en un continuo diálogo entre su contexto y su ser que  exterioriza plásticamente,  siendo  fiel a su voz interior. La artista no deseaba complacer los  gustos dominantes.  Y en el contexto estético que la rodeo en Venezuela,  fue como una isla entre su generación. Su lenguaje plástica estuvo en constante expansión por eso  le incomodaba saber que no llegaría a poder conocer por su edad herramientas creativas que se avizoraban en el horizonte, y que transformarían las artes plásticas, como de hecho lo hicieron.

“En un momento de locura me dije que si yo tuviera veinte años comenzaría a pintar el firmamento plasmando las telas con rayos láser y elementos acordes con esa época.” (2)  

Hemerografia:

(1)  Mary Brandt, Placer por el Color, Patricia Guzmán, El Universal,  octubre de 1982.

(2)  Mary Brandt, No pienso en los límites de la pintura, Elizabeth Araujo, El Nacional, 1985.