Sylvia Constantinidis pianista venezolana sorprende a la crítica mundial, con su obra de coral “ORA”

Los tiempos de pandemia no han detenido al movimiento de compositores contemporáneos, especialmente a la venezolana Sylvia Constantinidis, quien ha sabido aprovechar al máximo el tiempo y la tecnología, llevando a cabo numerosos proyectos con éxito. Desde hace más de 10 años, ella forma parte del Sherborne-Composers, un grupo de autores que se congrega anualmente en Sherborne, Inglaterra, bajo la dirección artística del eminente compositor y director Malcolm Singer, para realizar un seminario y un concierto de obras a estrenar por el Sherborne Composers Ensamble durante el Summer Music Festival. Continuando con la tradición, este 2021, el evento se llevó a cabo de manera virtual, con la participación de la maestra Constantinidis estrenando su nueva obra coral: “ORA”.

Hace pocos días, el Grupo de los Sherborne-Composers, realizó un concierto vía streaming, donde una vez más quedaron demostrados los avances, las destrezas y la visión a futuro de este grupo de visionarios en lo que a composición se refiere. Contando con un ensamble de cámara virtual se presentaron 11 obras, de un igual número de compositores, incluyendo a la propia Sylvia Constantinidis, quien presentó “Ora”, una pieza para 4 voces solistas, piano, guitarra, oboe, clarinete, cello y narrador, innovando en lo que se refiere a la configuración de los ensambles, la incorporación del arte visual, tecnología y la combinación de instrumentos con voces, algo realmente interesante.

La venezolana comentó sobre su obra: “Ora es un oratorio corto, que pretende ser una oración para la salvación de la humanidad, es una declaración filosófica, que habla sobre la importancia del individualismo en la evolución y continuidad de la humanidad. Considero esta una composición de multi-arte, donde conjugo la música con elementos de arte visual, cine y tecnología para crear efectos auditivos y visuales que juegan con el fenómeno de la percepción. Mi planteamiento es que la tecnología es una herramienta más en el proceso de composición. Ora es una obra de música concreta que además utiliza técnicas de ejecución contemporánea para las cuerdas en contexto sinfónico, y para el piano, el clarinete y el cello solista”.

“ORA posee varias de las técnicas de la composición contemporánea del Siglo XX, también empleo la técnica de “quotations” en un estilo similar a los del proceso de Charles Ives. Particularmente en ese caso utilicé “quotations” de dos de mis obras sinfónicas, tanto en materiales como en el performance, para crear una cortina de sonido, la cual es una técnica de creación de efecto de sonoro,  en la que he venido trabajando durante varios años, como parte de mi búsqueda en la conjugación  de el sonido, la continuidad del tiempo y el espacio”, agregó la venezolana.

En los próximos días se dará la oportunidad de escuchar algunas de estas obras en un concierto de la serie Masterworks en el canal de Youtube del NEWARTMUSIK. Como punto importante vale destacar que el Sherborne Composers Ensamble sigue dándole la oportunidad a compositores de distintas generaciones y diversidad de estilos dentro de las corrientes de la música contemporánea. Además, ya es conocido el trabajo de la maestra Constantinidis como pianista, compositora, directora y escritora, pero en este concierto, la venezolana ejerció otra de sus facetas: la de cantante, como mezzosoprano.

En el concierto que fue elogiado por expertos en música contemporánea de varios países del mundo, además de la obra de la venezolana, contó con un repertorio que estuvo conformado por “Glimpses into the pandemic Brain” de Christain Wenzel, “Hypatia” de Patrice Tournier, “Homemade Haiku” de Martin Jones, “Lines of Enquiry” de Marc Levesley, “Contrasts” de Jane Carrington-Porter, “Maslow’s Pyramid” de Richard Green, “Reflection” de Kevin Loh, “Fanfere & White Noise” de Patrick Miles, “Winter Scene” de Peter Burton y “Euterpe’s Quarantine” de Anna Menzies.

Hablan los compositores:

Este tipo de conciertos, que reúnen compositores de diferentes culturas y escuelas, va más allá del mero hecho de hacer música. Es una búsqueda de experimentar con diferentes materiales y elementos, encontrando nuevas combinaciones sonoras. También es una forma de reflejar historias o vivencias de cada autor mediante la forma tan descriptiva que trae la música.

“Cualquier puede discutir si los periodos de encierro de la pandemia han sido las oportunidades perfectas para los compositores para ser prolíficos, pero también hay días en los que nos sentimos fuera de foco, distraídos o abrumados, este fenómeno ha sido conocido como “cerebro pandémico”, que describe sutilmente la frustración y el deterioro mental que muchos de nosotros hemos experimentado. Muchos nos hemos quedado enganchados viendo videos, en mi caso particular con el de un lobo joven, así que use mi videoclip favorito para transformarlo mediante elementos musicales, usando un proceso llamado creación aproximada de la transcripción”, explicó Christian Wenzel sobre su pieza.

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Marc Levesley expresó sobre su obra Lines of Enquiry: “En mi pieza, hay una fuente radiactiva que se descompone aleatoriamente (las voces que aparecen). Hay dos instrumentos, que contienen los dos estados de Ifigenia: vivo y muerto. Cada desintegración radiactiva ilumina los instrumentos y la partitura, y puede o no permitir que el oyente u observador escuche o vea el estado de Ifigenia. Puede morir, puede vivir o puede seguir estando viva y muerta”.

Por su parte Martin Jones comentó sobre su obra Home Made Haiku: “Esta obra es una forma de verso estrictamente estructurado en la poesía japonesa con líneas de 5-7-5 sílabas. Escribí algunos en inglés hace unos años. Están configurados con música estructurada de manera similar en esta pieza”.